CFP Colloque international: « Le catch et… », mise en scène et passage des frontières

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Colloque international: « Le catch et… », mise en scène et passage des frontières
Université de Bordeaux 3, les 31 janvier et 1er février 2013.

Depuis les Mythologies, les études culturelles ont bien perçu que le
catch pouvait être plus qu’un choc frontal de deux masses musclées et
huileuses sous le regard d’une foule partiale. Bien qu’il ait reçu
l’attention de personnalités aussi diverses que Barthes (« Le monde où
l’on catch », 1957), Henry Jenkins (« Never Trust a Snake. WWF
Wrestling as Masculine Melodrama », 1997) ou Angela Carter (« Giants’
Playtime », 1976), et bien qu’il fasse l’objet d’une attention
universitaire soutenue aux Etats-Unis, le catch n’a pourtant pas fait
en France l’objet d’un travail qui en épuiserait les possibilités et
les significations, sans se limiter à la tétralogie masculinité,
popularité, excès et rituel.

Sport fiction, sport simulacre, le catch s’établit d’emblée sur une
frontière entre deux univers. Dans les Amériques, cette notion du
catch comme une interface outrancière articulant la rencontre de
plusieurs modalités spectaculaires, de plusieurs courants culturels et
de plusieurs identités ne saurait être exagérée. Ainsi, le catch
professionnel aux États-Unis suscite-t-il en retour un regain
d’intérêt pour son pendant mexicain, illustré par un film comme Nacho Libre (2006).
Réciproquement, le catch mexicain s’est fait une
spécialité de l’emprunt à la culture populaire américaine, rebaptisant
le catcheur El Santo « Superman », ou donnant plus récemment à une
équipe le surnom de « Justice League ». Ainsi encore, le catch
propose-t-il à ses acteurs des passerelles vers le cinéma (Dwayne
Johnson, « The Rock », vu par exemple dans Southland Tales (2006)) ou
même vers la politique (Linda McMahon, candidate pour le Sénat des
Etats-Unis, Jessie "The Body" Ventura, devenu gouverneur du
Minnesota). Le catch est aussi un sujet fertile de représentations :
que l’on pense à The Wrestler, de Daren Aronofsky (2008) , aux bandes
dessinées de Jaime Hernandez (Love and Rockets, 1982- ) ou encore aux
photographies de Dulce Pinzon (The Real Stories of Superheroes)
mettant en scène des travailleurs mexicains aux États-Unis habillés en
catcheur ou en super-héros. Ce colloque cherchera à identifier ce qui
rend le catch si propice au développement de ces transitions,
extensions et passage de frontières.

Il explorera pour cela d’une part le catch lui-même, son économie, sa
forme et sa réception, mais aussi et surtout les multiples interfaces
qu’il propose, dans une approche résolument pluridisciplinaire. « Le
catch et… » Le catch et la frontière mexicaine, le catch et le cinéma,
et le catch et les formes d’identités, le catch et l’art, le catch et
la télévision, le catch et les autres sport-spectacles, etc. D’autre
part, l’analyse de ce genre de discours, si particulier, que
constituent les mots du catch pourra être abordée de diverses façons
en linguistique tout autant qu’en stylistique. La plus évidente
correspond à la mise en récit qui accompagne cette mise en scène.
Quelle histoire nous est racontée ? Sur quels types de représentations
culturelles et sur quelles stratégies discursives récurrents
repose-t-elle ? L’étude des isotopies, au sein du lexique, tout autant
que celle des figures de style peut apporter un éclairage
supplémentaire sur les thèmes du colloque. Comment, par exemple,
fonctionne le processus d’identification ? Existe-t-il un codage, lato
sensu, du « discours du catch » qui accompagne chaque match, discours
qui répondrait alors, sans surprise ou presque (rôle du cliché, des
agencements forme-sens prototypiques), aux attentes d’un public ?

D’après le propos exposé plus haut et sans que cela soit exhaustif,
nous proposons de traiter les axes suivants :

- histoire culturelle et économique du catch dans les Amériques
- stratégies d’exportation et spécificité de la réception
française
- le catch comme récit transmédiatique (incluant toutes circulations
entre médias et problématiques de l’adaptation)
- esthétique spectaculaire et représentation du corps, etc.

Ces pistes ne sont pas limitatives et toutes les ouvertures permettant
d’éclairer notre problématique dans l’esprit pluridisciplinaire qui
est le nôtre seront les bienvenues.

Les propositions de communication en français ou en anglais, de 300
mots environ,sont à adresser à avant le 15 mai 2012 à:
nicolas.labarre@u-bordeaux3.fr ; david.diallo@u-bordeaux4.fr

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 International Conference
« Professional Wresting and… », foregrounding borders, crossing borders
University of Bordeaux 3, January 31st and February 1st 2013.

Since Barthes’s Mythologies, cultural studies have acknowledged that
there may be more to professional wrestling than a clash of two oily
muscled masses in front of a partisan crowd. Yet, while it has caught
the attention of a wide range of writers and essayists, from Roland
Barthes, to Henry Jenkins to Angela Carter, and while it has been
extensively studied in North-American academic circles, professional
wrestling has been comparatively neglected in France. The subject is
still awaiting a study that would exhaust its meanings and
possibilities, including but not limited to the tetralogy of
masculinity, popularity, excess and ritual.

Professional wrestling finds itself on the border separating multiple
notional pairs: sport and fiction, sport and simulacrum, sport and
show business, etc. This role of pro wrestling as an interface fraught
with excess appears especially significant in the Americas, where it
finds itself at the juncture between several types of spectacles,
several cultural trends, several identities. Thus, the popularity of
Pro-wrestling in the US led to a renewed interest in its Mexican
counterpart, as illustrated by the movie Nacho Libre (2006).
Reciprocally, Mexican wrestling is known for its poaching among US
popular icons: El Santo becomes known as “Superman” and a wrestling
team calls itself “The Justice League”. Pro wrestling also works as a
gateway towards Hollywood (Dwayne Johnson became famous as “The Rock”,
was credited as such in his first movies, but now uses his own name),
towards politics (Jessie “The Body” Ventura became governor of
Minnesota, while Linda McMahon has been trying in recent years to
become a congresswoman). Pro wrestling has also been a fertile source
for other popular forms, from Daren Aronofsky’s The Wrestler (2008) to
Jaime Hernandez’s comic books (Love and Rockets, 1982- ) to Dulce
Pinzon’s photographs depicting Mexican workers in the United States,
disguised as wrestlers and super-heroes (The Real Stories of
Superheroes). This symposium will aim at identifying the reason for
pro wrestling’s proclivity toward transitions, extensions and crossing
of boundaries.

Contributions should therefore examine pro wrestling itself, its
economy, its form and reception, but they should emphasize
particularly the numerous interfaces that it creates, from a
vigorously interdisciplinary perspective. “Professional wrestling
and…” ; professional wrestling and the Mexican border, professional
wrestling and cinema, professional wrestling and cultural identity,
professional wrestling and television, professional wrestling and
other spectacular sports, etc. The specific discourse of professional
wrestling could also be analyzed from several angles, both
linguistically and stylistically. This has to do first and foremost
with the storytelling accompanying the fights. What type of narrative
do they offer? What cultural representations and what discursive
strategies do they use? A study of isotopies in the lexicon and the
figures of speech may also shed a light on the themes of this
conference. How, for instance, does the identification process
function? Is there such thing as a coding of the discourse of
professional wrestling, which would fulfill the audience’s
expectations, with little or no deviation?

We seek papers exploring these and other issues, and welcome
submissions from scholars in all disciplines. Possible topics include,
but are not limited to:

- The cultural and economic history of professional wrestling in the Americas
- Export strategies and French specificities
- Prowrestling as transmedia storytelling (including cases of adaptation)
- An aesthetic of the spectacular and the representation of the body.

300-word abstracts, in French or in English, should be sent to :
nicolas.labarre@u-bordeaux3.fr ; david.diallo@u-bordeaux4.fr

Submission deadline : May 15th 2012

Master in Cultural History at Utrecht University

The Department of History and Art Studies at Utrecht University offers a one-year master’s course in Cultural History, starting in September 2012. This course is the only master in Cultural History in the Netherlands.

Inescapably, we give meaning to the world we live in. But how have the strategies we use in interpreting our surroundings come about?  Which historical institutions, traditions, cultural values and interpretations continue to shape our lives? How have they been debated and contested in the past and how do they mark the present? How can we use or revise them to shape our future? To address these issues, our Master programme offers historical insight into, and a deep understanding of, today’s complex and globalised world, based on a unique blend of historical theory and practice. The programme explores how cultural historians translate their theoretical insights into practical research on cultural modernity, combining academic excellence with social relevance. Using our special expertise in the fields of the history of media, religion, visual culture, cultural heritage and collective memory, gender studies and more, we offer a broad spectrum of cultural perspectives and approaches with regard to modern Western and global history. Our modules explore themes like the role of museums and heritage in the integration of minorities, the cultural cold war in Europe, the representation of self and alterity in literature, the interrelationship of religion, culture and power and the history of utopian thought.

The course is designed to help students acquire the skills necessary to navigate a professional environment; students may integrate an internship into the programme. Above all, students will acquire fundamental knowledge of the world, of the origin of values and strategies, of traditions and counter-traditions, of cultural clashes and exchanges. Such a broad cultural orientation helps us to better understand the manifold choices we are facing in shaping our world. Thus, by studying the past, the Master programme aims to be topical, relevant, and future-oriented.

Students who successfully complete a Master’s degree in Cultural History find work as policy makers, journalists, publishers, cultural advisors, teachers, curators, preservationists and researchers.

Utrecht University offers a unique gateway to Europe and the world. One of Europe’s leading research universities, Utrecht University is ranked best in the Netherlands, 12th in Europe, and 48th in the world by the prestigious Shanghai Academic Rankings of World Universities 2011. In the <http://www.timeshighereducation.co.uk/world-university-rankings/>Times Higher Education Ranking Utrecht University is 1st in The Netherlands, 18th in Europe and 68th in the world. The internationally oriented Faculty of the Humanities is located in the beautiful old city centre.

For more information on the Master in Cultural History, see: http://www.uu.nl/university/international-students/EN/culturalhistory or contact Dr. Willemijn Ruberg.

For more information on Utrecht University: http://www.uu.nl/ (Dutch) or http://www.uu.nl/EN (English).

Information on application can be found here.

The application deadline is 1 April 2012.

C’était demain : “Is This Tomorrow? America Under Communism”

[Ce texte est paru dans une version légèrement différente dans le n° 113-114 du Collectionneur de bandes dessinées (octobre 2008).]

Si la guerre froide fut avant tout une politique étrangère, elle n’aurait jamais duré aussi longtemps sans l’assentiment de la majorité des Américains. Le pro-soviétisme caricatural de quelques films hollywoodiens mis en scène entre 1942 et 1945 fit long feu dès la fin des hostilités – ce qui n’avait rien d’étonnant dans un pays où aucun mouvement socialiste n’avait jamais pu s’implanter et où une première paranoïa anticommuniste avait battu son plein en 1919-1920, à une période où de nombreux Américains craignaient que les immigrants européens “radicaux” importent aux Etats-Unis la révolution bolchévique ! En 1947, l’URSS était redevenue un épouvantail pour une majorité d’Américains.

Parmi ceux-ci, une minorité très agissante se sentait particulièrement concernée : les catholiques, frappés de plein fouet par l’absorption dans la sphère communiste de pays d’Europe centrale où leur religion dominait la vie sociale et politique depuis longtemps, tels la Pologne, la Hongrie, l’Autriche et la Yougoslavie (particulièrement la Croatie et la Slovénie). C’est pourquoi l’Eglise américaine compta parmi les lobbies anticommunistes les plus actifs durant la guerre froide — avec quelques catholiques d’origine irlandaise qui s’illustrèrent brillamment dans ce domaine, tel le sénateur du Wisconsin Joseph McCarthy…

On doit à un autre natif du Wisconsin, le Père Louis A. Gales, ce qui fut vraisemblablement le premier comic-book de propagande anticommuniste : le fascicule de 48 pages couleur intitulé Is This Tomorrow: America Under Communism, publié en fin d’année 1947 par Catechetical Guild (CG). Sous la férule vigoureuse du Père Gales, cette maison d’édition située au 145 de la 5e rue Est à Saint Paul (Minnesota), était à l’époque un des principaux éditeurs de presse catholique du pays : son titre-vedette était depuis 1937 Catholic Digest, mensuel qui reprenait des articles abrégés tirés d’autres revues grand public (comme son quasi-homonyme Reader’s Digest…). En 1942, CG s’était lancé dans la bande dessinée avec Timeless Topix [‘Sujets de tous les temps’] : rebaptisé Topix à partir de l’automne 1946, cet illustré mensuel au contenu édifiant avait été conçu durant la guerre pour faire pièce aux comic books dont le contenu était alors jugé nocif (en fait essentiellement les titres de super-héros). Au printemps 1946, la maison avait ajouté à son catalogue Treasure Chest of Comics [‘Coffre au trésor de la bd’], titre diffusé durant l’année scolaire dans les écoles catholiques.

Sur la genèse de Is This Tomorrow, on sait fort peu de choses. Le seul élément dont on dispose à ce jour est la version noir et blanc diffusée à 3000 exemplaires en septembre 1947 avant la sortie nationale de la version couleurs. C’est un document rarissime dont un exemplaire en parfait état s’est vendu aux enchères sur Internet le 18 janvier 2007 pour la coquette somme de 5975 dollars. La couverture de ce fascicule est barrée d’un énorme CONFIDENTIAL qui surmonte un texte de présentation dans lequel les responsables éditoriaux expliquent leur projet : proposer aux lecteurs qui ne sont ni des intellectuels ni des chercheurs une vision de ce qui pourrait arriver si le communisme envahissait les Etats-Unis. Ils ajoutaient : “Il est vrai que IS THIS TOMORROW est destiné à parler aux émotions, mais strictement sur les bases de la raison. Si qui que ce soit est enclin à penser que notre exposé relève de l’imagination, une analyse critique révèlera que chaque image, chaque phrase a des précédents dans la théorie et la pratique communistes.” Le texte précisait également que l’illustré serait diffusé dans les églises, les écoles, les usines, les associations, les détaillants de presse — énumération qui témoignait du lobbying catholique dans la société américaine, où le statut de relative minorité de l’Eglise romaine est depuis toujours compensé par un maillage serré de réseaux dans l’industrie et le monde associatif. Une suite intitulée What Is The Answer? était également annoncée.

Is This Tomorrow fut publié le 1er novembre 1947. Il existe au moins trois versions de sa couverture : la plus répandue, celle qui montre six personnages en train de se battre devant un drapeau américain en feu, fut imprimée avec ou sans la mention ‘10¢’ dans le coin supérieur droit, selon qu’il s’agissait d’exemplaires destinés à être vendus ou distribués gratuitement ; la troisième version, beaucoup plus frappante visuellement, montre une main géante ouverte prête à s’abattre sur une église et une usine avec le sigle soviétique de la faucille et du marteau dans le coin supérieur droit. Le lecteur qui ouvrait le fascicule découvrait en 2e et 3e de couverture des textes expliquant la réalité du danger communiste et l’importance de tout faire pour empêcher qu’il contamine les Etats-Unis ; la 4e de couverture proposait “10 commandements de citoyenneté” pour combattre le communisme, parmi lesquels on pouvait lire “Soyez tolérant des autres races, religions et nationalités”, “Pratiquez votre religion”, “Lisez journaux et magazines avec un oeil critique”, sans oublier “Soyez américain d’abord.”
Le récit en est apocalyptique. “Peu après la fin de la seconde guerre mondiale”, à la suite d’une année de sécheresse, les Etats-Unis se trouvent menacés par la famine; pour les lecteurs de la fin des années 40, c’était une allusion transparente au “Dust Bowl” (nom donné aux dérèglements climatiques qui avaient asséché le centre des Etats-Unis au début des années 30 et précipité dans la précarité et l’errance des milliers d’agriculteurs pendant les pires années de la dépression). C’est le moment que choisit le Kremlin pour ordonner à ses agents sur le sol américain de prendre le contrôle du pays. Leur chef, le nommé Jones, sosie à cheveux blancs de Lénine, organise alors l’infiltration méthodique du pays en prenant le contrôle des médias puis en noyautant le monde ouvrier et l’armée. Au fil du récit, on voit successivement les nouvelles autorités abattre les chefs d’état-major, arrêter les membres du Congrès, exécuter des hommes d’église tandis que les enfants sont endoctrinés pour dénoncer leurs parents si ceux-ci résistent au nouveau régime. A la dernière page, lors du banquet tenu par les chefs communistes pour célébrer l’ordre nouveau, Jones meurt subitement d’une crise cardiaque ; mais, dans la dernière case, son numéro 2, Brown annonce : “Je vais prendre la relève de Jones. Le communisme ne repose pas sur un seul homme. C’est une conception du gouvernement qui vise à diriger le monde.”

Qui écrivit ce scénario ? Difficile à dire. Probablement pas le Père Gales mais peut-être F. Robert Edman, le rédacteur en chef de Topix, ou un scénariste anonyme. La question du graphisme est plus attrayante. Un examen attentif des 48 pages montre qu’elles ont été produites par moins quatre dessinateurs différents, aucun ne brillant d’ailleurs par un talent particulier. Et pourtant, l’un de ces tâcherons devait devenir l’auteur de bandes dessinées américain le plus connu au monde. Né à Saint Paul en 1922 et habitant à l’époque à Minneapolis, à quelques kilomètres de là, ce jeune homme qui avait appris le dessin par correspondance avait été engagé en 1946 par Roman Baltes, directeur artistique de Topix, pour assurer le lettrage des bulles en anglais, mais aussi pour les éditions étrangères en espagnol et en français. Pour le récompenser de la qualité de son travail, Baltes lui demanda quelques mois plus tard d’illustrer quatre pages d’une histoire “où il était question de soldats” [Cf. “Charles Schulz”, interview accordée à Shel Dorf, Comics Interview 47 (1987), p. 15 ; David Michaelis, Schulz and Peanuts: A Biography (Harper, 2007), pp. 166-167]. Ce n’était autre que Is This Tomorrow et le jeune dessinateur s’appelait Charles M. Schulz, futur créateur de “Peanuts.” L’auteur de ces lignes, néanmoins, se doit d’avouer qu’il lui a été impossible de repérer où que ce soit dans le fascicule une case ou un dessin suggérant le style de Schulz : le réalisme médiocre de ces pages n’a aucun point commun avec le graphisme simplifié et en rondeur de Charlie Brown et Snoopy.

Il semble que Is This Tomorrow fut diffusé à 4 millions d’exemplaires. C’était un chiffre colossal : à titre de comparaison, il représentait le double du tirage de Walt Disney’s Comics & Stories, à l’époque le comic book le plus vendu avec avec 2 millions d’exemplaires par numéro. Il est vraisemblable que la majorité des fascicules furent distribués gratuitement dans les écoles et patronages et à la sortie des usines. Ce qui est certain, c’est qu’ils ne passèrent pas inaperçus. Un entrefilet publié dans le Time Magazine du 17 novembre 1947 racontait que le quotidien communiste The Daily Worker avait qualifié l’illustré de “fasciste, hitlérien, d’un fascisme sans fard, un brûlot pour l’esprit des enfants d’Amérique, une propagande belliciste fasciste, antisémite, antidémocrate, le Mein Kampf des enfants.” Son rédacteur en chef John Gates avait demandé dans un article rageur que le ministère des Postes en interdise l’expédition postale, que le ministère des finances prenne des sanctions fiscales contre les éditeurs et que le ministère de la justice les “poursuive pour incitation à la violence et pour avoir imprimé des calomnies criminelles.” Le journaliste communiste avait eu entre les mains la version “confidentielle” noir et blanc : celle-ci contenait des cases finalement enlevées de la version couleurs, dont une qui montrait un cardinal crucifié par des communistes sur la porte d’une église. Il est vrai qu’en termes de propagande, les communistes n’avaient rien à apprendre aux catholiques.

Is This Tomorrow connut non seulement une diffusion énorme sur le territoire américain mais il eut au moins trois adaptations étrangères. Il existe une version australienne (Is This Tomorrow: Australia Under Communism), une version française pour le Québec (A quand notre tour ? Le communisme au Canada) et une version turque intitulée Kizil Tehlike  (qui signifie “Danger écarlate”). Publiées en 1949, toutes trois furent adaptées aux réalités du pays où elles devaient être diffusées : dans la version québécoise, les cases représentant le bâtiment du Congrès et la carte des Etats-Unis furent remplacées par des dessins du Parlement d’Ottawa et d’une carte du Canada ; dans la version australienne (imprimée en noir et blanc), la couverture représentait une carte de l’Australie entièrement rouge barrée d’une faucille et d’un marteau et la crise permettant la prise du pouvoir par les communistes n’était pas une sécheresse mais une grève paralysant les bassins houilliers, élément beaucoup plus réaliste dans l’Australie de l’après-guerre.

Malgré une légende solidement ancrée, la propagande anticommuniste caricaturale fut un feu de paille aussi bien dans les comic books qu’au cinéma. Tout comme Hollywood produisit seulement une vingtaine de brulôts antisoviétiques, on compte un nombre équivalent ou inférieur de comic books dans la même veine produits après la guerre. Le coup d’éclat éditorial de Is This Tomorrow, avec son tirage énorme et une couverture médiatique considérable pour l’époque, ne se répéta pas. Non seulement Catechetical Guild ne publia pas la suite annoncée mais deux autres fascicules anticommunistes prévus pour 1950 connurent des destinées mitigées. Blood Is the Harvest (Moisson de sang), dont la couverture montrait un jeune soldat soviétique sur le point d’exécuter un couple de paysans aux yeux bandés, racontait comment l’URSS endoctrinait sa jeunesse et ambitionnait de faire de même avec la jeunesse des Etats-Unis ; il eut une diffusion confidentielle, sans comparaison avec celle d’Is This Tomorrow. Quand à If The Devil Would Talk (Si le diable parlait), fascicule faisant le procès de la laïcité, sa parution fut annulée en interne tant il fit l’objet de critiques du conseil d’administration de la maison d’édition ; une version modifiée fut publiée huit ans plus tard, sans grand bruit.

Les comic books anticommunistes publiés sous l’égide de l’Eglise catholique constituent un témoignage historique passionnant à plusieurs titres. Ils illustrent les formes que prit le propagandisme antisoviétique le plus excessif au moment où les revues de bande dessinée étaient considérées comme un moyen de communication de masse de grande ampleur — mais c’est cette popularité même qui coupa l’herbe sous le pied de l’entreprise de propagande. En effet, le double échec éditorial de 1950 coïncida avec une période où les illustrés subissaient le tir de barrage des protecteurs de l’enfance de tous ordres, au premier rang desquels se trouvaient… les catholiques. Regorgeant d’images violentes, choquantes, effrayantes (pour les normes des autorités ecclésiastiques de l’époque du moins), Blood Is the Harvest et If the Devil Would Talk ne purent bénéficier du contexte faste de l’automne 1947 où la popularité commerciale des comic books, pas encore affectée par la campagne d’opinion à leur encontre qui n’allait prendre de l’ampleur que l’année suivante, fut amplifiée par l’enthousiasme du public américain pour la nouvelle politique antisoviétique du Président Truman. Le contraste entre le succès de 1947 et les échecs de 1950 constitue un bel exemple de la délicatesse et de la fragilité des mécanismes de propagande, qui finissent parfois par se retourner contre leurs initiateurs !

La fin de Ben Laden : le sens d’une photographie

Texte rédigé par Bernard Genton.

Onze hommes et deux femmes autour d’une table couverte d’ordinateurs portables dépliés, dans le coin d’une pièce dont on ne sait pas si elle est exiguë ou vaste, fixent du regard un écran hors champ. Six sont assis, le reste debout. La femme assise se couvre la bouche, comme pour retenir un cri devant une scène pleine de suspens ou d’horreur. Les expressions sont graves, tendues, avec des variations d’intensité. Il y a une exception : le troisième homme en partant de la gauche, un militaire de haut rang, pianote placidement sur l’ordinateur qu’il a devant lui, occupé par autre chose. Au centre de l’image, recouvrant à moitié un clavier, on voit un document en couleurs, flouté pour des raisons de sécurité.
C’est l’une des neuf photographies diffusées par la Maison Blanche dans l’après-midi du 2 mai, manifestement la plus parlante, celle qui a été reprise immédiatement par les journaux et médias électroniques du monde entier. L’auteur de cette image est Peter Souza, photographe officiel de la présidence depuis 2009, et par ailleurs professeur de photographie à l’Université de l’Ohio. Il a publié plusieurs livres remarqués, et l’on connaît de lui un reportage émouvant sur les funérailles du président Reagan en 2004.
Le groupe représenté sur la photographie de Peter Souza est composé du président des États-Unis, du vice président, de la secrétaire d’État (c’est-elle qui retient son souffle) et de divers hauts responsables : le conseiller pour la sécurité, le chef d’état-major des armées, le ministre de la Défense, la responsable de l’antiterrorisme, etc. C’est une cellule de crise en action, même si l’action décrite ici consiste à regarder un programme invisible, mais dont le spectateur connaît la trame.
Que nous dit cette photographie ? A première vue, elle projette l’image d’une équipe réduite, mais soudée autour d’un chef qui n’occupe même pas la position centrale, ni d’ailleurs le premier plan, comme si l’événement extérieur transcendait toute hiérarchie politique. Voici des gens ordinaires en présence d’une scène extraordinaire dont ils ne connaissent pas encore l’issue. Ce sont les acteurs non vus, c’est-à-dire les membres du commando, qui assument la charge de l’échec ou de la réussite.
C’est ici qu’il est nécessaire de faire intervenir un élément externe, à savoir le nom de code de l’opération militaire qui a abouti a l’élimination d’Oussama Ben Laden : « Geronimo ». On se rappelle que Geronimo (1829-1909) fut le héros de la résistance apache. Il avait fallu des années au gouvernement fédéral pour régler le problème, par une opération quelque peu disproportionnée, puisque plusieurs milliers de soldats avaient été mobilisés pour obtenir la reddition de Geronimo et de son « armée » de 50 braves tout au plus. Intentionnelle ou non, l’équation ainsi établie entre une grande figure de la lutte sans espoir des Indiens d’Amérique du Nord dans les années 1880 et le terroriste le plus recherché des années 2000 brouille le message. Veut-on dire que Ben Laden est un résistant, le défenseur d’une cause perdue ?
Ces difficultés sémantiques disparaissent dès lors que l’on songe à la puissance culturelle de l’industrie cinématographique et de son influence sur l’esprit et les catégories mentales des responsables militaires et politiques, dont beaucoup ont grandi dans les années cinquante et soixante, âge d’or du western hollywoodien et télévisuel. De ce point de vue un peu étroit, il n’y a aucune différence entre les présidents George W. Bush et Barack Obama : le premier disait, comme dans un western de la haute époque : « We’ll get him ». Le second déclare, une fois la chose faite, « We got him ». On aurait pu penser que les westerns révisionnistes de la fin des années soixante (Little Big Man, Soldier Blue) auraient laissé des traces plus profondes, effacé les stéréotypes des westerns de production courante, dans lesquels les Indiens étaient presque toujours représentés comme des sauvages violents et sanguinaires. On voit qu’il n’en est rien : le choix du symbole Geronimo s’inscrit dans la logique implacable du western traditionnel, genre notoirement affaibli, mais qui se survit, et de quelle manière, dans la psychologie et la culture des militaires et des politiques d’aujourd’hui.
On pourrait penser que la photographie de Souza a deux fonctions : la première consiste à nous administrer la preuve que le moment de vérité (showdown) a bien eu lieu, comme au cinéma, puisque nous sommes mis en présence de ceux qui ont commandité puis vu ce film. La seconde, un peu plus subtile, réside dans l’escamotage des images du même moment de vérité. Les spectateurs de l’équipe dirigeante nous épargnent pour l’instant l’horreur de la vision réelle. Ainsi voyons-nous les yeux qui ont vu, ainsi échappons-nous au sang. Mais cette photographie dit également une autre vérité, dans la mesure où elle traduit une hésitation, un désarroi devant la scène de cinéma-vérité produite et non montrée, absence d’image qui risque de devenir de plus en plus encombrante.

UT Austin’s History dept. launches NOTEVENPAST.org

The History Department at UT Austin is launching an informative, interactive history web site today, January 10. Not Even Past provides current historical writing to a popular audience. For history buffs who want reading recommendations and short, interesting, digestible stories every day, the website offers a meaningful, dynamic, and ongoing conversation about History in the form of text, audio, and video histories on subjects that span the globe. The site is designed for anyone who is interested in history, from an avid reader of history to a history film aficionado.

The content and “picks” are written by the department’s 60-person faculty with additional input from the graduate students. Notevenpast.org is rich with book and film recommendations, video interviews, podcasts, online commentary, and even virtual classes (free) every semester. You can learn from exceptional faculty and dialog with other history aficionados and Texas Exes, enrolled globally.

The History Department’s new site is a unique, one-of-a-kind resource. Not Even Past will be identified with the individuals in the History Department at UT, giving readers a personalized experience of great history writing as well as promoting the strengths of the department and the University of Texas. Not Even Past also differs from other History department sites in its stylish visual design and its cutting-edge user-friendly functionality.

Take a peak now: http://www.notevenpast.org.

Joan Neuberger, Editor
George Christian, Assistant Editor, Features Editor

At launch today the website has six major features

MAIN FEATURE:
This section will focus on a recent book by a UT faculty member. The January edition showcases Jacqueline Jones’ “Saving Savannah: The City and the Civil War” and includes a short video interview with the author; a text discussion of the book; a live chat with the author; an on-going book club discussion; suggestions for related reading; a podcast of an excerpt from the book.

READ AND WATCH:
Learn what the department’s exceptional historians and their graduate students are reading, and which books and history films they recommend. Scan written and video reviews of books by category: Featured Reads, United States, Europe, Latin America, Africa, Asia, Middle East, and Transnational. With one click, add your comments, or instantly order books/films that you want. The home page will link to book recommendations chosen by our faculty and graduate students and one featured video book discussion; the January edition will have a video of George Forgie discussing books on the Civil War. The home page will link to discussions of current and classic historical films. In January, Frank Guridy will discuss two films about Cuba and Madeline Hsu writes about Wayne Wang’s Chan is Missing.

DISCOVER:
Discover fascinating, little-known, or rarely-viewed images and texts … from collections at UT Austin and around the world. Learn what each of these jewels teaches us about history. In January, Erika Bsumek writes about a Navajo rug in our Fine Arts library collection; Martha Newman writes about work and religion in 12-century France. David Crew will contribute a piece of wedding photographs taken in Jewish ghettos under Nazi rule.

LISTEN:
Beef up your podcast library with special global interviews and excerpts from campus history conferences and classes. Enjoy daily history FACT CHECKS and myth busting. Learn more Texas history. Access NEP for stories from Texas’ past: oral histories, photo essays, and great books. This section will feature oral histories and interviews and will link to all our podcasts. The January edition will include oral histories from recent India and Pakistan and an article on LBJ’s Vietnam policy, with an audio of his phone conversations.

TEXAS:
Texas history of all kinds. January will include an excerpt from Emilio Zamora’s new book on Mexican-Americans in Texas during WWII,and a photo essay by Bob Abzug on Jewish cemeteries and synagogues in Texas.

In addition to extensive comment and history chat areas throughout NEP, take any of the three virtual courses offered each semester (no tests!). Learn from outstanding award-winning faculty and share your thoughts and questions with other history buffs and Texas Exes … enrolled globally.  Register on the site to be eligible for free autographed books by UT Austin History faculty. A scrolling ticker across the home page will post daily twitter feed updates and a feature we call “The Fact Checker” which will offer links to short articles correcting historical myths and common historical misconceptions.

Courtney Meador
meadorcl@mail.utexas.edu
The Department of History
The University of Texas at Austin

Cfp: The Second World War, Popular Culture and Cultural Memory

Call For Papers
The Second World War, Popular Culture and Cultural Memory
University of Brighton, UK: 13-15 July 2011

Few historical events have resonated as fully in modern British popular culture as the Second World War. It has left a rich legacy in a range of media that continue to attract a wide audience: film, TV and radio, photography and the visual arts, journalism & propaganda, architecture, music and literature. The war’s institutionalised commemoration and remembrance fuels a museum and heritage industry whose work often benefits from the latest internet technology for maximum dissemination to educational institutions and the general public. In fact, the popular culture of the war is a cornerstone of its afterlife. The Second World War remains an easy point of reference for exhortations about public behaviour, from terrorist attacks (‘London can take it!’) to coping with credit crunch austerity (‘Makedo and mend’).

This interdisciplinary conference will examine popular culture of the Second World War on the home front and in British theatres of war abroad. Defining popular culture in its widest sense – as both a ‘way of life’ and as ‘cultural texts’ – the conference will explore both wartime popular culture and its post-war legacy. We invite established scholars, museum curators, media practitioners and postgraduate researchers from a wide range of disciplines to contribute to a lively debate about the role and meaning of popular culture both during the war and in the cultural memory of the Second World War in Britain and elsewhere.

Keynote Speakers:
Professor Jim Aulich (Manchester Metropolitan University, UK),
Professor Susan R. Grayzel (University of Mississippi, USA), Professor
Gill Plain (University of St Andrews, UK)

We welcome proposals for individual 20 minute papers as well as submissions for panels of three speakers and a Chair. Possible topics and panels may include but are not limited to:

* Popular culture in commemorative and museal practices
* Popular culture in/of combatant, Prisoner of War and internee life
* Posters, propaganda, broadcasting
* Entertainment in WW2
* WW2 in children’s literature and media
* Contemporary merchandising of WW2 culture and memorabilia
* Total war, war culture and popular culture
* The ‘people’s war’ in lived experience and in cultural texts
* Representations of national identity and ‘the enemy’
* Death, grief and bereavement in wartime and post-war popular culture
* Material culture of the war and its afterlife
* Representations of the British popular culture of the war abroad
* Fashion, Food and retro-merchandising
* Neo historical novels, war films, ‘militainment’
* Forgotten aspects of wartime popular culture

There may be bursaries for postgraduates and independent scholars.

Please send abstracts of no more than 300 words to:
ww2conference@brighton.ac.uk
Deadline:  31 January 2011

Conference organisers: Dr Lucy Noakes (University of Brighton, UK), Dr
Juliette Pattinson (Strathclyde University, UK), Dr Petra Rau
(University of Portsmouth, UK)

Un carnet de recherches “hypothèses” de méthodologie de la “civilisation”

Bienvenue au carnet de recherche “Langues vivantes”, qui se définit comme “un espace de réflexion et de débat autour des pratiques de recherche en civilisation” animé par des doctorants. Les articles déjà en ligne et le programme de travail de leur séminaire sont très stimulants.

La séance du 5 janvier (« Comment ne pas mener un programme d’entretiens », « Historical Institutionalism » et recensions d’articles d’universitaires civilisationnistes: quelle méthode? quelle valeur ajoutée?) promet d’être fort intéressante.
JK

The New York Times Op-Ed page turns 40

Créée en septembre 1970, cette page est un peu la mère de toutes les pages “idées” ou “rebonds” de nos quotidiens français. Le NYT y a publié des contributions de presque tous les “intellectuels”, politiques et artistes qui comptent aux Etats-Unis, et dans le monde.
Retrouver la sélection que propose le NYT en ligne est à la fois un plaisir de lecture et une manière culturelle de reprendre et de relire ces quarantes dernières années.

The Jibbenainosay

Dans le chapitre 55 de son autobiographie Life on the Mississippi (1883), Samuel Langhorne Clemens narre sa rencontre avec un charpentier travaillant sur le même bateau que lui : celui-ci racontait à qui voulait l’écouter qu’il avait assassiné trente hommes, tous marqués d’une croix incisée sur le front et tous nommés Lynch, car il n’était autre qu’un certain “Mysterious Avenger” redouté de par le monde… Une fois passée la frayeur initiale, le jeune homme se rendit compte qu’il avait affaire à un compagnon de voyage clairement mythomane. Devenu Mark Twain, Clemens commentait ainsi l’incident un quart de siècle plus tard : “This ass had been reading the ‘Jibbenainosay,’ no doubt, and had had his poor romantic head turned by it; but as I had not yet seen the book then, I took his inventions for truth, and did not suspect that he was a plagiarist.”
L’allusion au Jibbenainosay échappe à la majorité des lecteurs actuels mais elle était transparente à la fin du XIXe siècle. Ce nom indien était le sous-titre d’un des romans les plus populaires aux Etats-Unis pendant près d’un siècle, Nick of the Woods: or, The Jibbenainosay; a Tale of Kentucky, publié en 1837. Son auteur, Robert Montgomery Bird (1806-1854), était un médecin de formation qui s’orienta dès 1828 vers une carrière littéraire. D’abord dramaturge à succès, il se tourna vers le roman après s’être brouillé pour des raisons financières avec son grand interprète l’acteur Edwin Forrest. Bird publia sept romans entre 1834 et 1839 avant de faire en 1840 une dépression nerveuse attribuée à l’intensité de sa production littéraire. Après s’être rétabli, il partagea son temps entre un brève carrière politique, le journalisme, le dessin et la photographie avant de décéder à 47 ans, vraisemblablement d’épuisement.
Cinquième œuvre romanesque de Bird, Nick of the Woods est un roman historique dont l’action se déroule à Lincoln County, au cœur du futur Etat de Kentucky, en 1782, dans le contexte de la difficile colonisation de ce territoire par les blancs face à la résistance des Shawnees. C’est un roman dans la veine des “Leatherstocking Tales” de Fenimore Cooper, à une différence essentielle près : les Indiens, chez R. M. Bird, sont des êtres cruels et sanguinaires et non les nobles sauvages qui côtoient Natty Bumppo. Il ne faut pas oublier que le rousseauisme qui imprégnait les œuvres de Cooper ne reflétait pas une opinion majoritaire des Américains vis-à-vis des premiers occupants de leur pays mais plutôt une sensibilité européenne à la façon de Chateaubriand : il y a plus d’Atala dans Le Dernier des Mohicans que de l’influence des précurseurs américains de Cooper. Dans son pays, celui-ci rompait avec une tradition littéraire diabolisant les Indiens qui remontait aux récits de captivité du XVIIe siècle et prospérait encore chez le premier grand auteur gothique américain Charles Bockden Brown, dont le protagoniste du roman éponyme de 1799 Edgar Huntley massacrait sans scrupules des Peaux-Rouges décrits comme sauvages et impitoyables. En revendiquant cette posture dans sa préface, Bird présentait au grand public un récit en harmonie avec les opinions dominantes sur les Indiens. L’ouvrage connut une grande popularité, attestée par une adaptation théâtrale de Louisa H. Medina dès 1839 (cf. illustration ci-dessous), des démarquages de plus ou moins grande qualité littéraire (parmi les plus réussis se trouve “Jack Long; or, The Shot in the Eye”, nouvelle de Charles Wilkins Webber publiée en 1844 et dont Edgar A. Poe fit l’éloge en 1847) et des rééditions régulières jusqu’aux premières décennies du XXe siècle.

Mr. J. Proctor in his Great Original Character of The Jibbenainosay (in Nick of the Woods). Lithograph with original hand color. (New York, ca. 1856).
“Mr. J. Proctor in his Great Original Character of The Jibbenainosay (in Nick of the Woods).” Lithograph with original hand color. (New York, ca. 1856).

Le livre repose sur une intrigue assez conventionnelle mêlant aventure et mélodrame—Bird était une espèce de Paul Féval américain. L’intérêt principal du récit réside dans le personnage de second plan qui donne son titre au roman. “Nick of the Woods” (qu’il faut comprendre comme signifiant “le diable des bois”), surnommé par les Indiens Jibbenainosay, “l’esprit qui marche”, est un vengeur masqué qui sème la terreur parmi les Peaux-Rouges en leur faisant subir les mêmes exactions que celles qu’ils infligent aux colons blancs. On découvre au fil de la lecture que ce justicier sanguinaire est en fait Nathan Slaughter, un Quaker qui se venge ainsi indéfiniment du massacre de sa famille par les Indiens dix ans auparavant. Bien que l’animosité de Bird envers les Indiens fût sans ambiguïté, Slaughter/Nick of the Woods incarne une dualité que l’auteur ne résout jamais, l’appelant par oxymores « l’homme de paix belliqueux, l’assassin qui hait le sang » (“the warlike man of peace, the man-slaying hater of blood”) et le décrivant comme sujet à des crises d’épilepsie, parfois feintes pour effrayer les Indiens, mais parfois réelles, qui illustrent le chaos intérieur d’un schizophrène déchiré entre pacifisme et violence.
Dans une perspective d’histoire culturelle, le personnage de Bird est particulièrement intéressant pour deux raisons. D’une part, il fut l’un des premiers héros populaires à l’origine des justiciers masqués de la fin du XIXe siècle, puis des super-héros à partir des années 30, tels que the Shadow et Batman. Le paradoxe qui mérite d’être noté au passage est que ce best-seller incontesté du XIXe siècle ne fut transposé ni au cinéma ni en bande dessinée au XXe. Cela en dit beaucoup sur son effacement de la mémoire collective étatsunienne mais, surtout, sur la façon dont le motif du vengeur masqué s’adapta aux valeurs du XXe siècle commençant, à partir de personnages de noble extraction prenant la défense du peuple opprimé (tels le Mouron rouge et Zorro) plutôt que du Quaker épileptique assassin de Peaux-rouges.
D’autre part, le personnage créé par Bird incarne une ambivalence pathologique dans les rapports que l’individu entretient avec la morale et la loi : cette tension narrative, qui reste irrésolue dans la fiction populaire américaine/occidentale jusqu’en ce début de XXIe siècle, apparaît comme une constante, celle du côté obscur des individus, récurrente aussi bien dans les récits de super-héros que de tueurs en série et en l’occurrence nullement attribuable à une quelconque dérive contemporaine de la fiction d’aventure, américaine ou autre.
Nick of the Woods est un ouvrage à redécouvrir. Il n’existe hélas à notre époque qu’en éditions bon marché sans appareils critiques. L’édition universitaire la plus récente, conçue par Curtis Dahl en 1967 pour College & University Press, est peu informative. Pour profiter au mieux de ce pan d’histoire culturelle américaine du XIXe siècle, il vaut mieux consulter l’édition annotée que Cecil B. Williams prépara pour American Book Company en 1939.

La controverse Larry Clark

L’interdiction aux moins de 18 ans de la rétrospective Larry Clark au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris (à partir du 8 octobre) fait la une des quotidiens ces jours-ci. Les élus Verts à la Mairie, tout comme certains journaux tels Libération qui publie en première page une des photos “chocs” du photographe américain, ont qualifié la mesure de “censure”. Sans refuser cette lecture, pourtant en partie incorrecte (l’expo peut se tenir comme le fait remarquer la Mairie), on doit aussi (peut-être surtout) y lire des signes culturels intéressants qui révèlent d’autres aspects tant de la photographie que de notre société. J’en vois quatre.
1) Le plus évident: la société française suit actuellement la pente contentieuse des Etats-Unis, ou le principe de précaution répond aux risques de poursuites judiciaires qui se multiplient. Sous prétexte de lever le poids de l’autoritarisme paternaliste de l’Etat (qui décide de ce qui peut relever de la sphère publique et de ce qui doit rester dans la sphère privée), la libéralisation des outils juridiques est en réalité une prime à la pusillanimité — ou à la prudence si l’on veut — ou à la loi du plus fort (les plus riches pouvant se payer les meilleurs avocats).
2) Moins immédiat: la culture du fragment. Dans ce qui est une grande rétrospective de 200 images, d’un artiste complet (réalisateur et photographe), l’inquiétude s’est focalisée sur quelques images (Fabrice Hergott, le directeur du MAM, parle de 10% des images) qui peuvent, à l’extrême limite, être qualifiées de pornographique au sens pénal du terme. Culture du fragment et culture du zapping qui encouragent le public à ne retenir que la photo-choc et la petite phrase, mais aussi le “grand tableau” au détriment de l’œuvre.
3) Autre point, si évident que les commentateurs ne l’ont pas vraiment relevé: la photographie, par son caractère “indiciel” comme disent les sémiologues (c’est-à-dire née d’un contact “direct” avec le réel), continue à être vue, au début du XXIe siècle, comme la “chose-même”. Alors que l’on peut exposer à tous La Création du monde, on ne saurait montrer impunément la photo d’un sexe (masculin ou féminin) ou d’un acte sexuel, un peu comme si l’on était non devant une image mais sur une scène de cabaret de la rue Saint-Denis ou de l’ex-42e rue (bien nettoyée aujourd’hui), ou dans chez des junkies (il ne faut pas oublier la drogue et les armes à feu dans le paysage de Larry Clark).
4) Ce qui m’amène à mon dernier point: l’incapacité de notre temps à historiciser son regard, au moins pour ce qui est de l’art. Aux Etats-Unis, les expositions dans les grands musées, voire la création même des musées font depuis longtemps l’objet de controverses politiques. On pense à l’exposition de Robert Mapplethorpe à la Corcoran Gallery of Art à Washington en juin 1989, à la tentative d’exposition “Enola Gay” à la Smithsonian Institution en 1995 ou à la création du musée d’histoire américaine dans cette même institution1. Ce que la société française semble ne pas pouvoir regarder en face ce sont non pas le sexe ou la drogue ou la violence, mais bien les “yeux d’une époque”. Larry Clark est un photographe des années 70, une figure importante de la construction d’un regard photographique (en particulier aux Etats-Unis mais pas uniquement) qui mute du documentaire à l’autobiographique, comme Nan Goldin, par ailleurs fort bien acceptée (peut-être parce qu’au fond plus “politiquement correcte”?).2 Comme le faisait remarquer Brice Couturier dans un entretien sur France-Culture ce matin, nous ne pouvons plus regarder/publier dans un magazine les images de David Hamilton ou de Irina Ionesco photographiant sa fille (pré)adolescente. Mais que nous ne puissions plus les voir dans un musée est bien un signe de notre cécité à la médiatisation et de notre présentisme immature.

  1. Sur ce sujet voir l’excellente thèse de Marie Plassart. Sur les controverses dans l’art américain, on lira aussi Michael Kammen, Visual Shock. A History of Controversies in American Culture, Alfred Knopf, 2006. []
  2. Sur ce sujet voir mon article “Du désir autobiographique à la fiction du désir. Teenage Lust de Larry Clark (1983) et The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin (1986)” []